[French version below.]

The expression “labours of love” traditionally refers to the behind-the-scenes work carried out by women and racialized people, often associated with domestic labour and caregiving. This invisible and “vocational” work, though essential to sustaining our communities, families, and friendships, is rarely remunerated or even valued. This is because such labours of love are presumed to yield their own intangible rewards, in addition to being perceived as a natural extension of what is understood by “femininity.” The expression stems from a 1975 essay by the feminist theorist Silvia Federici, and despite the progress made by feminists past and present to de-gender this division of labour and to have it recognized as such, its relevance persists and continues to evolve. Several contemporary feminist critics have highlighted the potential pitfalls of this struggle for the institutional and economic recognition of care work, which would thereby become monetizable in productivist and measurable metrics, opening the door to the quantification of gains, including affective ones (Emma Dowling, 2016: 453).

This material division of labour is also reflected in the arts and culture sector. The figure of the artist is associated with sacrifice, passion, and vocation: precarious working and living conditions are seen as legitimate for most people, thanks to an individualistic narrative centred on personal choice. Engagement in the arts and culture is thus synonymous with a self-imposed vulnerability and poverty, for which the individual bears full responsibility—and whose ability to merit their salary, material comforts, and visibility is entirely up to them. However, this perspective obscures the systemic dynamics at play and the ways in which the precarious conditions of artists, curators, and cultural workers are essential to the smooth functioning of a sector that is chronically underfunded, except for a select few. It also belies its ideological foundations.

Several artists examined their working conditions in their artworks. In 2024, during a residency at Céline Bureau the artist Camille Zoé Valcourt-Synnott conducted a series of interviews with artists and cultural workers to find out what jobs they had held to support their creative practice. Artistes précaires (2024) thus brought together a series of these job lists, supplemented by Valcourt-Synnott’s handwritten notes and traces of visitors’ participation in the gallery. According to the artist, the project draws parallels between cultural work and care work, as the majority of the jobs listed on paper also fall within the realm of “care”—teaching, cooking, maintenance, service work, etc. This work follows a performance titled The Employee (2021), created in collaboration with artist Joshua Schwebel. For one year, and in front of an audience,Valcourt-Synnott—employed by Schwebel—wrote grant applications for the Forest City Gallery (London, Ontario) and performed administrative tasks related to the management of the arts centre. The archives of this performance, along with all the emails that the performer wrote in this context, have been compiled into a book of the same name, supplemented by critical essays on the topic of labour in the cultural sector.

In the recent exhibition Imagine les dauphins en grève (2026) presented at the Galerie d’art du Parc, the artist Fanny Latreille recounts the story of U.T.I.L., a fictional artists’ union founded in the 1980s that survived the gradual erosion of a social consensus on the benefits of the welfare state and the common good. Latreille tells the story of two dolphins, who died of starvation during the blue-collar strike, as a springboard to reflect on the history of artists’ social struggles and the potential for solidarity with other workers and creatures. At the Leonard and Bina Ellen Gallery, curator Ingrid Jones’s exhibition LABOUR (2026) explores the challenges of care work from the perspective of Black, Afro-descendant, and racialized artists. In her exhibition, divided into three rooms—Labour, Rage, Rest—the curator brings to light the anger and frustration associated with the labour of the “colonized,” who bear the implicit responsibility of educating the dominant culture about their distinct realities, supporting vulnerable members of their communities, as well as championing and representing the issues of diversity and inclusion. In using discomfort as a curatorial strategy, the exhibition transposes this work (of education, interpretation, and connection) onto the viewers and raises a broader question: whom are we truly “caring for” when we carry out our projects? Artists, curators, audiences, donors, etc.?

The Labours of Love issue thus explores the invisible work that underpins artistic careers and arts and culture support services, from a feminist and decolonial perspective. How do artists represent, subvert, and combat precariousness, self-entrepreneurship, and isolation? What solutions underpin their aesthetic and political proposals, carried out for love? Resignation, strike, disidentification, union, or transfer?

A second, important section of this issue explores the interconnected experiences of love and passion. Even though working conditions are often precarious, art and the communities that emerge around works— their creation, dissemination, and preservation—continue to renew themselves, flourish, and express solidarity. What's behind this persistence and vitality of the arts and culture? Love, perhaps?

For this section, we seek submissions that explore our connections to the arts—to artists, curators, critics, and venues—to counterbalance the criticism, struggle, and anger sparked by the violence of the discordant socio-economic system into which we have been thrown. The Labours of Love thematic issue thus aims to make visible and tangible what drives our communities, our spaces, and our writing. What aspects of your encounters with art have transformed your practices (artistic, curatorial, authorial), your perspectives, and your emotional, theoretical, and conceptual worlds? What internal dialogues with the art world shape your current engagements? Which works have stirred you, which curator or art critic inspires you, and what gives you the strength to keep going, to dream, despite everything?

SUBMISSION

If you wish to contribute to this thematic issue, please send an email to the magazine’s co-executive director and editorial director (gcortoespaceartactuel.com) before June 29th, 2026, with a short proposal (250 words). We will inform you quickly if your proposal is chosen. Your complete essay must not be more than 2,000 words, depending on the type of proposal, footnotes not included, and be submitted before September 4th, 2026. The honorarium is now CA$70 per page (250 words).

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L’expression anglophone ​​« labours of love », que nous traduisons par un travail effectué par amour, renvoie traditionnellement aux tâches menées dans l’ombre par les femmes et les personnes racisées, souvent associées à la domesticité et au soin. Ce travail invisible et « vocationnel », bien qu’il soit essentiel au soutien de nos communautés, de nos familles et de nos amitiés, n’est que rarement rémunéré ou même valorisé. C’est que les tâches effectuées par amour apporteraient leurs propres récompenses immatérielles, en plus d’être perçues en tant que prolongement naturel de ce qui est entendu par « féminité ». L’expression provient d’un essai de 1975 de la théoricienne féministe Silvia Federici, et malgré le chemin parcouru par les féministes d’hier et d’aujourd’hui pour dé-genrer cette division du travail et pour le faire reconnaître en tant que tel, son actualité persiste et se transforme. Plusieurs critiques féministes contemporaines pointent notamment les dérives possibles de cette lutte pour la reconnaissance institutionnelle et économique du travail du soin, qui devient dès lors monétisable dans une visée productiviste, et mesurable, ouvrant la porte à la comptabilisation des gains, mêmes affectifs (Emma Dowling, 2016: 453).

Cette division matérielle du travail se répercute également dans le milieu des arts et de la culture. La figure de l’artiste est marquée par cette idée du sacrifice, de la passion et de la vocation : la précarité des conditions de travail et de vie est rendue légitime, aux yeux de la majorité, par le biais d’un discours individualiste reposant sur le choix. L’engagement dans les arts et la culture devient ainsi synonyme d’une fragilité et d’une pauvreté choisies, et dont l’entière responsabilité repose sur l’individu et sa capacité à mériter son salaire, son confort, sa visibilité. Or, cette vision dissimule les logiques systémiques à l’œuvre et les façons dont la précarité des artistes, des commissaires et des travailleur·euse·s culturel·le·s est conditionnelles au bon fonctionnement d’un milieu chroniquement sous-financé, sauf pour une poignée d’élu·e·s. Elle trahit également ses fondements idéologiques.

Plusieurs artistes ont abordé les conditions de leur travail dans leurs œuvres d’art. Lors d’une résidence chez Céline Bureau en 2024, l’artiste Camille Zoé Valcourt-Synnott a par exemple mené une série d’entretiens avec des artistes et des travailleur·euse·s culturels pour savoir quel(s) emploi(s) il·elle·s avaient occupé pour soutenir leur pratique créative. Artistes précaires (2024) rassemble ainsi une série de listes de ces emplois, augmentés des notes manuscrites de Valcourt-Synnott et des traces de la participation des visiteur·euse·s en galerie. L’œuvre, note l’artiste, trace des parallèles entre le travail culturel et le travail du soin, alors que la majorité des emplois consignés sur papier appartiennent également à l’univers du « care » - l’enseignement, la cuisine, l’entretien, le service, etc. Cette œuvre succède à une performance intitulée The Employee (2021), réalisée en collaboration avec l’artiste Joshua Schwebel. Pendant un an, et devant public, Valcourt-Synnott - employée par Schwebel - a écrit des demandes de subventions pour la Forest City Gallery (London, Ontario) et réalisé des tâches administratives liées à la gestion du centre de diffusion. Les archives de cette performance, ainsi que tous les courriels rédigés par la performeuse, ont été colligées dans un ouvrage éponyme, augmentés de textes critiques sur la question du travail en culture.

Dans la récente exposition Imagine les dauphins en grève (2026) à la Galerie d’art du Parc, l’artiste Fanny Latreille fait le récit de l’U.T.I.L., un syndicat d’artistes fictif né dans les années 1980 et ayant survécu à l’abolition graduelle d’un consensus social sur les bienfaits de l’État-Providence et le bien commun. Le récit de Latreille prend pour point de départ deux dauphins, décédés des suites de carence lors de la grève des cols bleus, pour penser l’histoire de la lutte sociale des artistes et les solidarités possibles avec d’autres travailleur·euse·s et créatures. À la Galerie Leonard et Bina Ellen, c’est l’exposition LABOUR (2026) de la commissaire Ingrid Jones qui explore les enjeux du travail de sollicitude de la perspective des artistes noir·e·s, afro-descendant·e·s et racisé·e·s. Dans son exposition divisée en trois salles - Labour, Rage, Rest -, la commissaire rend visible la colère et la frustration liées au travail des « colonisé·e·s », à qui incombe la responsabilité implicite d’éduquer la culture dominante sur leurs réalités distinctes, de soutenir les personnes vulnérables de leurs communautés et de porter et représenter les enjeux de la diversité et de l’inclusion. L’exposition, en usant de l’inconfort comme stratégie curatoriale, transfère ce travail (d’éducation, d’interprétation, de mise en relation) vers les spectateur·rice·s et pose une question plus large : de qui prenons-nous réellement « soin » lorsque nos projets sont mis sur pied ? Des artistes, des commissaires, des publics, des donateur·rice·s, etc. ?

Le numéro Par amour explore donc le travail invisible qui sous-tend les carrières artistiques et les services de soutien aux arts et à la culture, d’une perspective féministe et décoloniale. Que font les artistes pour représenter, détourner et lutter contre la précarité, l’auto-entrepreneuriat et l’isolation ? Quelles solutions sous-tendent leurs propositions esthétiques et politiques, réalisées par amour ? La démission, la grève, la désidentification, l’union, le transfert ?

Un deuxième volet important de ce numéro aborde les expériences connexes de l’amour et de la passion. Car bien que les conditions de travail soient souvent précaires, l’art et les communautés qui se tissent autour des œuvres - de leur création, de leur diffusion et de leur entretien - continuent de se renouveler, de fleurir et de se solidariser. Qu’est-ce qui explique la persistance et la vitalité des arts et de la culture ? Est-ce l’amour ?

Pour ce volet, nous invitons des textes portant sur nos attachement au milieu des arts - aux artistes, aux commissaires, aux critiques, aux lieux de diffusion - pour contrebalancer le geste de la critique, de la lutte et de la colère qu’engendrent les violences du système socio-économique dissonant dans lequel nous sommes jeté·e·s. Le dossier Par amour vise ainsi à rendre visible et tangible ce qui anime nos communautés, nos espaces et nos plumes. Quels éléments de vos rencontres avec l’art ont transformé vos pratiques (artistiques, curatoriales, auctoriales), vos perspectives, vos univers affectifs, théoriques et conceptuels ? Quels dialogues intérieurs avec le milieu façonnent vos engagements au présent ? Quelles œuvres vous ont chaviré, quel·le commissaire ou critique d’art vous inspire, quels éléments vous donnent la force de continuer, de rêver, malgré tout ?

SOUMISSION

Si vous souhaitez collaborer à ce numéro thématique, nous vous invitons, dans un premier temps, à envoyer un courriel à la codirectrice générale et éditoriale de la revue (gcortoespaceartactuel.com) avant le 29 juin 2026, afin de présenter une brève proposition (250 mots). Nous vous informerons rapidement si votre proposition est retenue. Votre texte complet ne devra pas dépasser les 2000 mots, selon le type de proposition, notes de bas de page non comprises, et nous sera soumis avant le 4 septembre 2026. Les honoraires sont désormais de 70 $ CA par page (250 mots).